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Alla Dolce Ombra

7,00


Alla Dolce Ombra

Italian and Austro-German poetics music Renaissance

The Royal Wind Music

Content

Johann Hermann Schein (c1486 – 1542)
  • Suite X. Paduan – Gagliarda – Courente – Allemande & Tripla.
Giorgio Mainerio (1535 – c1582)
  • Ballo Milanese.
Giovanni Antonio Terzi (c1580 – 1620)
  • Ballo Polacco.
Antonio Gardane (1509 – 1569)
  • Venetiana Gagliarda.
Johann Heinrich Schmelzer (c1620 – 1680)
  • Sonata a 7 Flauti.
Orlando di Lasso (1532 – 1594)
  • Tristis est anima mea.
Cipriano de Rore (1532 – 1594)
  • Justus es Domine.
Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525 – 1594)
  • Viri Galilaei.
Melchiore de Barberiis (c1500 – after 1549)
  • Madonna qual Certezza.
Girolamo Cavazzoni (c1525 – 1577)
  • Canzon sopra ‘Falt d’Argens’.
Luca Marenzio (c1553 – 1599)
  • Occhi lucenti e belli.
Antonio Bertali (1605 – 1669)
  • Sonatella a 5 Flauti.
Ludwig Senfl (c1486 – 1542)
  • Das G’laut zu Speyer.
Anónimo
  • Mein Vleis und Müehe (Alemania, siglo XVI)
Hans Newsidler (1508 – 1563)
  • Mein Vleis und Müehe.
Hans Leo Hassler (1564 – 1612)
  • Ach Weh, Des Leiden.
Wilhelm Brade (1560 – 1630)
  • Galliard.
Jacob Praetorius (1586 – 1651)
  • A Solis Hortus Cardine.

Recorded at the Salesian Seminary Sanlucar la Mayor (Sevilla)

Taking Sound: Manuel Muriel. Production: José Mª Martín Valverde.

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Descripción

Alla Dolce Ombra

Italian and Austro-German poetics music Renaissance

The Royal Wind Music

Conductor: Paul Leenhouts

During the first half of the sixteenth century recorder consorts became established at several European courts. The practice of creating complete sets or families of instruments resulted in a rich variety of ensemble works being written by celebrated composers of the Renaissance. Until the 1550’s the recorder was mainly used to double the human voice. This explains the great diversity of recorders that match the different voice types. From the second half of the sixteenth century instruments became gradually independent from vocal music and instrumental ensembles were being formed. A famous set of recorders, probably made at the Bassano workshop in London, is depicted in Marin Mersenne’s encyclopaedia Harmonie Universelle, published in Paris in 1636. Mersenne states that the alto, tenor and basset recorders ‘form the small register, as the larger models that follow form the great register; but they can all be sounded together, like the great and small registers of organs.’ In his book Syntagma Musicum written in 1618, Michael Praetorius describes a complete recorder ensemble [Stimmwerck], consisting of twenty-one instruments in eight different sizes ranging from the ’Garklein Exilent’ [± 15 cm] to the Great bass-recorder [± 2.60 m] which can be bought in Venice for ‘eighty Thaler.’

On this CD, a consort of plucked instruments completes the ensemble for the interpretation of dances, fantasias, madrigals and sonatas. The lute was probably the most popular of all instruments during the Renaissance – solo as well as ensemble works appear in numerous manuscripts and intabulations. One alternative explanation for the inclusion of the salterio concerns the verb ‘psallo’: its usual medieval meaning was ‘to sing a hymn or Psalm’. The contrast between the plucked instruments is also emphasized by the use of a Spanish cross-strung harp and an Italian triple harp. Performing conventions of the time allowed instrumentalists to ornament music that had already been composed. According to their own taste, musicians could apply diminutions to a basic melody within a given motet, madrigal or chanson. Diminutions substituted longer notes or groups of notes in a composition with fast-moving melodic formulas to produce melodic variation. Although musical forms and styles changed significantly, this practice was still continued during the early Baroque era.

Johann Hermann Schein’s instrumental collection Banchetto musicale (1617) marks a highpoint in the development of the suite. There are 20 numbered sets of ‘pavanes, galliards, courantes and allemandes, which are arranged so that they correspond to one another in both mode and invention’, to quote Schein’s own description. The suites could be played ‘on any instruments’ and were probably composed as dinner music.

Información adicional

Artista

The Royal Wind Music

Estilo

Renaissance

Interpretación

Flutes

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Música Poética del Renacimiento Italiano y Austro-Alemán

The Royal Wind Music

Contenido

Johann Hermann Schein (c1486 – 1542)
  • Suite X. Paduan – Gagliarda – Courente – Allemande & Tripla.
Giorgio Mainerio (1535 – c1582)
  • Ballo Milanese.
Giovanni Antonio Terzi (c1580 – 1620)
  • Ballo Polacco.
Antonio Gardane (1509 – 1569)
  • Venetiana Gagliarda.
Johann Heinrich Schmelzer (c1620 – 1680)
  • Sonata a 7 Flauti.
Orlando di Lasso (1532 – 1594)
  • Tristis est anima mea.
Cipriano de Rore (1532 – 1594)
  • Justus es Domine.
Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525 – 1594)
  • Viri Galilaei.
Melchiore de Barberiis (c1500 – after 1549)
  • Madonna qual Certezza.
Girolamo Cavazzoni (c1525 – 1577)
  • Canzon sopra ‘Falt d’Argens’.
Luca Marenzio (c1553 – 1599)
  • Occhi lucenti e belli.
Antonio Bertali (1605 – 1669)
  • Sonatella a 5 Flauti.
Ludwig Senfl (c1486 – 1542)
  • Das G’laut zu Speyer.
Anónimo
  • Mein Vleis und Müehe (Alemania, siglo XVI)
Hans Newsidler (1508 – 1563)
  • Mein Vleis und Müehe.
Hans Leo Hassler (1564 – 1612)
  • Ach Weh, Des Leiden.
Wilhelm Brade (1560 – 1630)
  • Galliard.
Jacob Praetorius (1586 – 1651)
  • A Solis Hortus Cardine.

Grabado en el Seminario Salesiano Sanlucar la Mayor (Sevilla)

Toma de Sonido: Manuel Muriel. Producción: José Mª Martín Valverde.

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SKU: MPC-0712 Categorías: , ,

Descripción

Alla dolce ombra

Música Poética del Renacimiento Italiano y Austro-Alemán

“Habéis de saber que todos los instrumentos musicales, en comparación con la voz humana, son inferiores a esta. Por este motivo, debemos procurar aprender de ella e imitarla…del mismo modo que un pintor imita la naturaleza con el uso de distintos colores, un instrumento puede emular la expresión de la voz humana variando el flujo del aire y matizando el sonido con las digitaciones apropiadas…”

Sylvestro Ganassi: Opera Intitulata Fontegara, Venecia 1535.

Durante la primera mitad del siglo XVI, los consorts de flautas arraigaron en numerosas cortes europeas. La creación de familias completas de instrumentos se tradujo en una rica variedad de obras para conjunto, escritas por los compositores más célebres del Renacimiento. Hasta la década de 1550, la flauta dulce fue utilizada fundamentalmente para doblar a las voces humanas, lo que explica la existencia de una gran diversidad de modelos, en correspondencia con las distintas tesituras vocales. A partir de la segunda mitad del siglo XVI, la música instrumental se independizó gradualmente de la vocal, formándose grupos exclusivamente instrumentales. La ilustración de un famoso juego de flautas, probablemente construido en el taller de los Bassano en Londres, aparece en la enciclopedia Harmonie Universelle, de Marin Mersenne,  publicada en París en 1636.

Mersenne explica cómo las flautas alto, tenor y bajo “forman el registro pequeño, así como los modelos más graves forman el registro grande; si bien todas ellas pueden sonar a la vez, como los registros grandes y pequeños de los órganos” En su libro Syntagma Musicum, escrito en 1618, Michael Praetorius describe un juego completo de flautas dulces [Stimmwerck], compuesto por veintiún instrumentos de ocho tamaños distintos, desde la “Garklein Exilent” (de unos 15 cms.) hasta el “Gran bajo” (de unos 2.60 metros). Tal conjunto podía comprarse en Venecia por “ochenta táleros”. En esta grabación, un conjunto de instrumentos de cuerda pulsada completa al grupo para la interpretación de danzas, fantasías, madrigales y sonatas. El laúd fue probablemente el instrumento más popular en el Renacimiento: obras tanto a solo como de conjunto aparecen en numerosos manuscritos y tablaturas. Una explicación alternativa para la presencia del salterio es el verbo latino psallo, cuyo significado medieval más común era “cantar un himno o un salmo”. El contraste entre los instrumentos de cuerda pulsada se acentúa gracias al uso de un arpa española de cuerdas cruzadas y un arpa triple italiana.

Las convenciones interpretativas del momento permitían a los instrumentistas ornamentar música compuesta de antemano. De acuerdo con su propio gusto, los músicos aplicaban disminuciones a una melodía base dentro de un motete, madrigal o chanson. Las disminuciones sustituían las notas largas de una composición por fórmulas más rápidas, para conseguir variedad melódica. A pesar de los cambios significativos en las formas y estilos musicales, esta práctica todavía perduraba en el Barroco temprano.

La colección instrumental Banchetto musicale (1617) de Johann Hermann Schein supone un punto culminante en la historia de la suite. Hay veinte juegos numerados de “pavanas, gallardas, courantes y allemandes, arregladas de tal forma que se relacionan unas con otras en modo e invención”, por citar la descripción del propio Schein. Las suites pueden tocarse “con cualquier instrumento” y fueron compuestas probablemente para amenizar cenas.

En las colecciones de Giovanni Antonio Terzi, Giorgio Mainerio y Antonio Gardane, el término ballo se aplica a diversas danzas populares como pavanas, gallardas y saltarellos, intepretadas con instrumentos. Los escritores renacentistas fundamentaban la expresividad de la danza trazando analogías entre ésta y la oratoria. Antoine Arbeau, en su Orchésographie de 1588, insiste en la relación entre música y movimiento y llama a la danza “una especie de retórica callada”.

“Es esencial que el movimiento de los miembros sea acorde al fraseo de los instrumentos musicales, y jamás debería ocurrir que el pie hable de una cosa y el instrumento de otra. Pero en primer lugar y ante todo, las autoridades sostienen que la danza es una especie de retórica callada en la que el orador, sin decir una sola palabra, puede hacerse entender a través de sus movimientos y convencer al público de que se siente alegre, y de que es digno de ser alabado, amado y respetado…”

La Sonata a 7 Flauti de Johann Heinrich Schmelzer y la Sonatella de Antonio Bertali muestran una instrumentación única, pues fueron compuestas para consort de siete y cinco flautas respectivamente. Ambos compositores trabajaron en la corte imperial austriaca en Viena, y establecieron también contacto con la capilla de la corte del Príncipe Obispo de Olumouc en Kromeriz, Moravia, a quien probablemente dedicaron estas obras. El estilo enraíza en la tradición italiana del primer Barroco. Tras ser casi completamente destruida por el ejército sueco en 1643, Kromeriz comenzó a recuperarse en la segunda mitad del siglo XVII. Las únicas copias que se conservan de la obra de Schmelzer se encuentran todavía en la Biblioteca de la Universidad de Upsala, Suecia.

Información adicional

Estilo

Renacimiento

Interpretación

Flauta

Artista

The Royal Wind Music